Off White Blog
Kunsttentoonstelling in Singapore: 'We Are the World - These Are Our Stories' door Amanda Heng op STPI

Kunsttentoonstelling in Singapore: 'We Are the World - These Are Our Stories' door Amanda Heng op STPI

Maart 29, 2024

"Iedereen heeft de gewoonte om iets te bewaren, zoals een verjaardagscadeau, souvenirs enzovoort", zegt de Singaporese kunstenares Amanda Heng, "Hoe zien we de waarde van dit soort collecties? Ik denk dat deze dingen erg betekenisvol zijn, niet alleen omdat ze van een vriend of iemand belangrijk zijn, maar ze hebben ook een bredere betekenis met betrekking tot onze identiteit, onze waarden en onze overtuigingen. ” Dit is het uitgangspunt van de nieuwe tentoonstelling van Heng, 'We Are the World - These Are Our Stories' in het Singapore Tyler Print Institute (STPI), van 7 januari tot 25 februari 2017, waar ze persoonlijke ervaringen en hun potentieel onderzoekt wij allemaal.

De tentoonstelling, die de viering van het 15-jarig jubileum van STPI aftrapt, begon met Hengs residentie bij STPI in april 2016, toen ze het STPI-team en uiteindelijk andere deelnemers via mond-tot-mondreclame vroeg om een ​​enkel gekoesterd object mee te nemen. Tot de meegebrachte voorwerpen behoorden munten, een lunchbox en een wasvork.


De praktijk van de kunstenaar, die meer dan twee decennia beslaat, is gebaseerd op collaboratieve en multidisciplinaire vormen van kunst maken. Het meest bekend om haar performance-kunstwerken was een van haar vroege werken 'Let's Chat' (1996), waarin ze met leden van het publiek praatte onder het genot van thee en het verwijderen van puntjes taugé, om herinneringen op te halen aan eenvoudige levensvreugde uit een vervlogen tijdperk gezien de materiële vooruitgang in Singapore. Dit gebeurde overigens tijdens Heng's eerste residentie bij STPI.

Een ander werk met publieksparticipatie was ‘Let’s Walk’ (1999), waarbij de kunstenaar en het publiek achteruit liepen met schoenen met hoge hakken in hun mond, en op hun pad bleven met behulp van handspiegels. Dit was een commentaar op de motivatie van vrouwen in Singapore om zichzelf te verfraaien om hun baan te behouden na de Aziatische financiële crisis van 1997.


Daarna werd Heng gefotografeerd gekleed in het kebaya-uniform van de stewardess van Singapore Airlines op erfgoedlocaties in ‘Singirl’ (2000) om tegelijkertijd de vrouwelijke stereotypen en het afbreken van deze plaatsen voor economische ontwikkeling in twijfel te trekken. Het werd verlengd in 2011 toen Heng andere vrouwen uitnodigde om samen met haar een ‘Singirl’ contingent online te vormen, door foto's van hun blote billen in te sturen, die vervolgens anoniem werden geüpload naar een openbare galerij. Dit was in een vraag over meerdere kwesties die Hengs hart na aan het hart lagen, waaronder genderpolitiek en identiteit.

Hengs huidige project zet zich voort in deze synergetische traditie. Heng werkte nauw samen met 12 deelnemers om de verhalen te achterhalen achter de objecten die ze koesterden. Het was een gezamenlijke inspanning, met grondig onderzoek uitgevoerd door zowel de kunstenaar als de deelnemers. "Elke deelnemer bracht een object mee en deelde zijn verhaal en daardoor realiseerden we ons dat we meer moesten weten en dat ze daarom terug zouden gaan naar hun familie of iemand die hen meer over het object zou kunnen vertellen", zegt Heng. “Het onderzoek was afhankelijk van de deelnemers omdat de objecten van hen waren. Mijn rol was om dingen te benadrukken waarover ik meer moest weten. ”


Het proces was bedoeld om niet alleen voor de kunstenaar, maar ook voor de deelnemers onthullend te zijn, en Heng zorgde ervoor dat dit gebeurde door het rustig aan te doen. Heng zegt: “Het belang of de waarde van deze objecten wordt duidelijker voor hun eigenaren nadat ze het onderzoek hebben uitgevoerd en door het delen van verhalen tussen mij en de deelnemers. Met andere woorden, voor en na het maken van dit project zal de manier waarop ze naar dit object kijken anders zijn. ”

Naarmate het onderzoek meer informatie onthulde, besloot Heng collagewerken te maken om vast te leggen wat ze met de deelnemers uit de objecten pakte. De collagewerken nemen verschillende vormen aan binnen kaders van dezelfde grootte door middel van bedrukking en papierproductie, van papieruitsparingen van bougainvillaea in de ene tot Polaroid-afbeeldingen in een andere. 'Ik ben met dit hele ding begonnen zonder enige visuele uitkomst', zegt Heng. “Ik wilde gewoon het hele proces door laten gaan, zodat het uiteindelijk verrijkt wordt met veel materiaal. Het werd me toen duidelijk dat het een collage moest zijn. '

Om de enorme hoeveelheden informatie die door de inspanning is geproduceerd te behouden en te presenteren, maakt de tentoonstelling gebruik van Quick Response (QR) -codes om aanvullende gegevens aan de collages te verstrekken om het verhaal van elk object te vertellen. “De QR-code is ontstaan ​​omdat het delen tot stand is gekomen via vele modi, zoals teksten en audio. Natuurlijk hebben we veel foto's en video's verzameld ”, zegt Heng. "In plaats van materialen te selecteren en weg te gooien, werd de QR-code een interessante manier om een ​​breder publiek erbij te betrekken." Bezoekers scannen de code met een mobiele tagging-app op een smartphone, die zal linken naar korte video's, interviews en diavoorstellingen.

De QR-codes krijgen een prominente plaats in de tentoonstelling. In plaats van te verschijnen in zijn gebruikelijke bescheiden zwart-witformaat, wordt het weergegeven in dezelfde grootte als het collagewerk en in hetzelfde kleurenschema als het collagewerk, maar complementeert het, waarbij het belang van de onderzoeksresultaten wordt benadrukt.Ze breiden de deelname van het publiek aan het kunstwerk uit en geven het publiek het eigendom van hun ervaring met het kunstwerk, of ze er nu voor kiezen om meer te weten te komen over een bepaald kunstwerk of niet over anderen.

De QR-code scannen bij een lappendeken van bruin papier waarop gegraveerde teksten staan ​​als "Japan", "Australië", "Singapore" en "Anchor In Me = Home", en tekeningen van mensen zoals een man met een hoed, we worden naar een video van vier minuten gebracht met de titel 'Haruka / Leaf with a Name', waar we de rug van een vrouw zien, vermoedelijk van de deelnemer Haruka, die de rol van dirigent op zich neemt voor een Japans lied over het leven dat geleefd wordt als voorbeeld door een blad. Hoewel elk collagewerk niet rechtstreeks aan elke deelnemer kan worden toegeschreven, omdat alle werken één zijn, worden ze erkend in de catalogus.

In een ander werk dat voortkwam uit de herdenking van iemand die is overleden, leidt de QR-code tot een radioprogramma over het genezingsproces, waardoor het persoonlijke werk op een meer algemene manier kan worden ontsloten. 'Het zijn eigenlijk grotere inhoud of meer verhalen van andere mensen, van het grote publiek. De dimensie was heel anders en niet alleen over mezelf en het andere individu. Het gaat over het grotere plaatje en heeft nog steeds betrekking op dit object ', zegt Heng.

Terwijl het project herinneringen behandelt, merkt Heng op dat het niet om nostalgie gaat. Een van de objecten is bijvoorbeeld een wasvork gemaakt van de tak van een guaveboom, meegebracht door de kleindochter. Hiervoor wilde Heng de creativiteit van de grootmoeder van de deelnemer benadrukken en hoe mensen over het algemeen doen met wat ze tot hun beschikking hebben. Hier kon de grootmoeder zien dat de guaveboom de beste keuze was voor de wasvork op basis van haar kennis van haar omgeving door haar rijke ervaring.

Om de universele neiging en vindingrijkheid van de mens te benadrukken, koppelt Heng de creatie van deze specifieke wasvork aan de uitvinding van de televisie, die ongeveer tegelijkertijd plaatsvond door Philo Taylor Farnsworth, het voorlopige idee waarvoor hij zich had ontwikkeld terwijl nog steeds op de middelbare school. Het is een viering van menselijke creativiteit die het potentieel heeft om iemands leven en de mensen om ons heen, en soms van de hele wereld, te verbeteren.

Heng laat met de tentoonstelling zien dat de individueel beleefde ervaring, hoe persoonlijk die in eerste instantie ook mag lijken, herkenbaar en universeel is, en dat verhalen de kracht hebben om onszelf en elkaar beter te begrijpen.

Dit artikel is voor het eerst gepubliceerd in Art Republik.

Verwante Artikelen