Tentoonstellingen in Singapore: Hermès huisvest ‘Resonance of Nature’ van kunstenaar Takashi Kuribayashi

De etalage van de flagship store van Hermès Singapore in Liat Towers toont Takashi Kuribayashi's ‘Resonance of Nature’ tot maart 2017.

'De waarheid ligt op plaatsen die onzichtbaar zijn. Als je eenmaal weet dat er een andere wereld uit het zicht is, leef je op een andere manier ', zegt de Japanse hedendaagse kunstenaar Takashi Kuribayashi, die ons herinnert aan het filosofische dilemma van perceptie versus realiteit, en dat de waarheid slechts een is kwestie van perspectief.

Geen onbekende in Singapore, Kuribayashi bezocht het zonnige eiland voor het eerst in 2006 toen hij werd uitgenodigd om deel te nemen aan de Singapore Biënnale en Hermès Singapore's vorige Third Floor-ruimte; de eerste met ‘Aquarium: ik voel me alsof ik in een vissenkom zit’, en de laatste met ‘Hermès Column’, beide nieuw gemaakte kunstwerken. Een jaar later, in 2007, kwam hij weer terug om een ​​kleine vijver in de lucht op te schorten bij de ingang van het National Museum of Singapore met zijn werk getiteld 'Kleine See' (Kleine vijver). Aan de andere kant, in 2015, creëerde hij zijn onvergetelijk verbluffende en fotogenieke werk, 'Trees', voor het Imaginarium - A Voyage of Big Ideas 'van Singapore Art Museum (SAM), dat om 8Q werd vertoond op SAM. Nu weer terug heeft Kuribayashi ‘Resonance of Nature’ gecreëerd voor de etalage van de flagship store van Hermès Singapore in Liat Towers, die tot maart 2017 te zien zal zijn.

Installatiezicht van ‘Trees’, op 8Q, Singapore Art Museum.

Art Republik haalt de coverster van ons nummer in om meer te weten te komen over grenzen, serendipiteit en Kuuki ga Shimaru.

Uw werk heeft vaak een kritiek commentaar op de natuur. Hoe en wanneer is uw relatie met natuur en milieu tot stand gekomen? Was er een belangrijk moment voor jou?

Ik ben geboren in Nagasaki, Japan, en heb daar mijn hele jeugd gewoond. En waar ik woonde, rond mijn huis en mijn hele omgeving was de natuur - je zou zelfs kunnen zeggen dat de natuur onvermijdelijk als een leraar voor mij werd. Wat ook interessant is, is dat mijn vader een fotograaf van insecten was, dus zijn atelier lag in de open lucht. Ik was constant omringd door de natuur die opgroeide - het werd natuurlijk een groot deel van mij.

Wat interesseert u voor natuur en milieu?

Zoals je weet, kunnen mensen niet alleen leven, maar toch zijn we bang wat de natuur met ons kan doen; in de loop van de tijd hebben we manieren gevonden om 'naast elkaar te bestaan' met de natuur. Mensen hebben eerst een muur gemaakt om zichzelf tegen de natuur te beschermen; daarna wilden ze dichter bij de integratie met de natuur komen, dus maakten ze parken en tuinen; en nu zijn mensen zo ontwikkeld en capabel dat ze de natuur willen inhalen en verstoren. Vroeger was de natuur groter dan de mens, maar nu is de menselijke ontwikkeling zo ver gegaan dat we de natuur vernietigen; toch zijn we ons daar nog niet van bewust.

Wat vind je als kunstenaar van het nemen van de natuur in een door mensen gemaakte en afgesloten galerieruimte? Benadrukt de handeling om dit verder te benadrukken uw filosofieën, berichten en verhalen die u wilt vertellen? Of stoort deze grens of tegenstrijdigheid je op wat voor manier dan ook?

Om hierover te praten, moeten we ook praten over wat kunst is. Een goed voorbeeld van hoe ik de natuur uit haar plaats haal en in een galerieruimte plaats, is een werk dat ik maakte voor een tentoonstelling in het Singapore Art Museum in 2015, waar ik letterlijk een hele boom nam en ze in dozen in een afgesloten ruimte stopte.

Zoals je weet, is Singapore erg kunstmatig; zelfs het grootste deel van de natuur is hier door de mens geschapen. In Singapore proberen mensen de natuur te beheersen door parken te creëren of ruimte te creëren voor iets anders, dus die boom was al verwijderd en voor een dergelijk doel in stukken gehakt, dus ik stopte alles in glazen dozen. Dit is een heel symbolisch werk. Je ziet dit als één boom, maar elke doos heeft voor elk stuk van de boom een ​​individuele wereld en een nieuwe levenscyclus gecreëerd. Wat ik probeer te doen, is mensen laten nadenken en zich bewust zijn van wat er aan de hand is - dat is kunst; het moet vragen objectief aanmoedigen of bewust maken van iets dat anders niet bekend is.

Binnen in mezelf zijn er twee versies, twee Kuribayashi's om zo te zeggen: de ene is een kunstenaar en de andere is een mens. Als mens wil ik de natuur beschermen, maar als kunstenaar wil ik objectief bepaalde waarheden naar boven halen.

Dus je denkt dat kunstenaar zijn en mens zijn gescheiden zijn?

Stel je een tijd voor waarin je verdrietig bent en huilt, en plotseling heb je het gevoel dat je over je heen kijkt en jezelf ziet huilen; die andere kant of die andere weergave is de artist view.

Ben je een spiritueel persoon? Heb je een sterke relatie met spiritualiteit die je vertaalt naar je werk?

Nee ik ben niet. Kunstenaar zijn is voor mij gewoon mezelf in vraag stellen, de wereld in vraag stellen, dingen in vraag stellen ... een belangrijke vraag is: wie ben ik? De meeste mensen vragen zich dat wel af, misschien tot hun tienerjaren, maar als kunstenaar blijf ik mezelf dat vragen, zelfs tot in de volwassenheid. Dus nu moet je denken: ik ben hier, ik besta hier. En je bent hier nu, maar gebaseerd op de mensen die je in het verleden hebt ontmoet. De relatie wordt erg belangrijk - je wordt gemaakt door het verleden.Het lijkt misschien spiritueel, maar dat is het niet. Dat gezegd hebbende, geloof ik dat iedereen die sterk gelooft in hun eigen respectievelijke religies, dat aspect van hen niet te veel verschilt van mij.

Je bent momenteel gevestigd in Yogyakarta, Indonesië. Waarom heb je ervoor gekozen om daarheen te verhuizen?

Je gaat zeggen dat dit weer spiritueel is, maar in mijn leven heb ik altijd op mijn intuïtie of onderbuikgevoelens vertrouwd. Ik was eerder acht jaar in Japan en daarvoor 12 jaar in Duitsland. En zoals je weet in maart 2011 (we noemen 311), was het de nucleaire ramp in Fukushima Daiichi. Op dat moment dacht ik erover om Japan weer te verlaten, maar het incident in Fukushima gebeurde en ik had het gevoel dat ik in Japan moest blijven; dus ik bleef twee jaar en er gebeurden zoveel onverwachte dingen in die twee jaar.

Daarna dacht ik dat ik weer buiten Japan moest gaan wonen. Ik dacht eerst aan Brazilië omdat ik daar een groot aantal vrienden heb en ik hou van de Braziliaanse kunstscene. Dus ik begon onderzoek te doen naar verhuizen naar Brazilië, maar plotseling begonnen mensen om me heen te zeggen dat ik naar Indonesië moest verhuizen; Destijds wist ik niet veel over Indonesië. Toen ik meer wilde weten, begonnen mensen Yogyakarta te zeggen, en daar was ik niet eens naar op zoek. Dan belt een Indonesische verzamelaar mij om werken te presenteren in Yogyakarta. Een ander ding is dat ik surf, en een van mijn surfvrienden vertelde me uit het niets dat er een punt in Yogyakarta is dat Pacitan heet voor surfers. Dus nogmaals, ik hoor Yogyakarta nu van zowat iedereen om me heen. Op dat moment was ik ervan overtuigd dat mijn volgende stap naar Yogyakarta moest zijn. Ik woon daar nu drie jaar.

Hoe heeft het incident in Fukushima u en uw artiest persoonlijk beïnvloed?

Werk uit de serie ‘Yatai Trip Project’

Dus de aardbeving vond plaats op 11 maart 2011 en ik was tot 10 maart 2011 in Nepal in de bergen waar ik aan mijn 'Yatai Trip Project' werkte. Dus op 10 maart, 4.000 meter hoog in de bergen, duwde ik mijn Yatai-voedselkar, ik was gewoon bij mezelf denken dat we eigenlijk geen brandstof nodig hebben om te leven. En toen ik weer naar Tokyo kwam, gebeurde het incident. En ik was terug in de stad Tokio en droeg nog steeds al mijn rugzakken en uitrusting en iedereen keek me aan en dacht dat ik zo voorbereid was, maar ik kwam eigenlijk net terug!

Dus voor mij was het een kans op verandering. Als mens was ik weer bang en zou ik ver weg moeten komen; maar als kunstenaar was het een kans om hier iets van te maken. Zoals u weet, is mijn thema grenzen, en de Japanse regering heeft een grensgebied van 20 kilometer verwijderd van de kerncentrale, als grens. Nu worden Japanse kerncentrales allemaal in de buurt van de kustlijnen gebouwd omdat ze veel water nodig hebben. Dus hoewel de grens zich op het land kan uitstrekken, hoe creëer je dan een grens in de oceaan? Je kunt niet zomaar een lijn trekken. Dus als kunstenaar, dacht ik, terwijl de media zich concentreerden op de 20 kilometer lange grens aan land, zou ik (ja, illegaal) in de 'beperkte zone' surfen en het ongevoelde of 'onzichtbare' gevaar en de aangebrachte schade benadrukken.

Natuurlijk heb ik specialisten geraadpleegd en elk van hen ontmoedigde me om het te doen, omdat het te gevaarlijk was. Maar het ding met plutonium is dat het relatief veilig is om te drinken, maar niet om in te ademen waar het je longen ernstig zal beschadigen. Dus als ik echt wilde blijven surfen in de beperkte wateren, moest ik een beschermend pak dragen met een luchtfiltratiemasker.

Van ver lijkt het alsof iemand aan het surfen is in prachtige wateren. Maar als je goed kijkt, draagt ​​die persoon een speciaal wetsuit en beschermend masker. Dat is de impact van de bewustwording van de boodschap die ik probeer over te brengen. Als artiesten vind ik het onze verantwoordelijkheid om berichten te melden, bijna alsof we zelf onze eigen media zijn.

Takashi Kuribayashi, surfen in Fukushima.

Je werkt nu tien jaar met Hermès. Wat vind je het leukst aan het werken met het merk?

Hermès heeft de hoogste standaard en kwaliteit over hen en hun producten, en wanneer verwerkt in of in mijn werk, geeft het een gevoel van ... er is een Japans woord voor: Kuuki ga Shimaru. Het vertaalt zich direct in het strakker maken van de lucht, of niet zo letterlijk, het strekt je rug. Het is een heel uniek woord dat bijvoorbeeld ook zou worden gebruikt als je een glazen spiegel ziet in plaats van een acrylspiegel, je gevoel kan het schijnbaar onzichtbare maar duidelijke verschil voelen.

Kun je ons meer vertellen over je nieuwste werk met Hermès Singapore, ‘Resonance of Nature’, voor hun etalage?

De bliksem is het belangrijkste aspect van ‘Resonance of Nature’. Ik wil de energie en kracht van de natuur overal om ons heen laten zien, dus de bliksem is de beste weergave die de lucht met de grond en daaronder verbindt. Tegelijkertijd is die kracht aanwezig, ongeacht de achtergrond, ongeacht de tijd; het kan sneeuwen in Japan en zonnig in Singapore, maar die energie en kracht zijn allemaal hetzelfde. Vandaar dat de bliksem in mijn kunstwerk alles met elkaar verbindt - de natuur is overal verbonden.

Ook bestaat de achtergrond van het scherm uit belangrijke foto's: de lucht komt uit Fukushima, boven de kerncentrale; de kust is van de nasleep van de tsunami; en de bergkant is van Nepal, waar ik tot de dag voor het incident was. Dit toont bovendien het verband en het belang van tijd aan, dat hoewel de natuur slechts een dagverschil is, de natuur de pure kracht had om de dingen zo veel te veranderen.

Houd je rekening met het ethos van Hermès bij het bedenken van hun etalages? Of is dat iets dat toevallig of helemaal niet tot stand komt?

Van alle andere modemerken van vandaag is Hermès erin geslaagd om zichzelf in een unieke positie te houden. We zitten momenteel midden in de consumptiecultuur en er zijn veel andere merken die een goedkopere lijn hebben geopend om concurrerend te blijven. Maar als de verkoop van Hermès afneemt, zouden ze dan ook een goedkoper assortiment creëren? Het antwoord is nee, ze blijven trouw aan hun waarden en DNA. En ik geloof dat etalages gezichten van een merk zijn, dus het enige dat ik in gedachten houd, is die standaard en visie te behouden wanneer ik aan mijn werk voor hen denk.

Als je geen artiest was, wat zou je dan zijn?

Ik geloof niet dat artiest zijn een beroep is; het is gewoon een manier van leven, een manier om jezelf uit te drukken. En wat ik ben, is gewoon Takashi Kuribayashi.

Takashi Kuribayashi: ‘Voor mij is kunstenaar zijn alleen maar dat ik mezelf in vraag stel, de wereld in vraag stel, dingen in vraag stel ...’

Wat is de toekomst voor jou?

Het komende jaar zal me beginnen als podiumontwerper en meedoen aan de voorstelling ‘The World Conference’, geregisseerd door toneelregisseur Hiroshi Koike. Daarna zal ik mijn werk presenteren op Zushi Beach Film Festival, Japan Alps Art Festival en groepstentoonstellingen in Yogyakarta. Daarnaast ga ik door met mijn ‘Yatai Trip Project’ en ik denk er ook aan om onderzoeksreizen door Japan te maken om nieuwe ideeën voor nieuwe werken te ontwikkelen.

Dit artikel is voor het eerst gepubliceerd in Art Republik.