Off White Blog
Kenmerk: King of Pop Andy Warhol

Kenmerk: King of Pop Andy Warhol

Maart 16, 2024

Andy Warhol was een leidende figuur in de popartbeweging, die vanaf de jaren zestig de hedendaagse kunstscene domineerde. Zijn nalatenschap is duurzaam. In 2012 organiseerde het Metropolitan Museum of Art de tentoonstelling ‘Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years’, met 45 Warhol-werken samen met 100 werken van 60 andere kunstenaars gemaakt naar aanleiding van of beïnvloed door zijn werken. Getoond werden werken van Jean-Michel Basquiat tot Ai Weiwei, die het scala aan media omvatte van schilderijen tot foto's.

Niet alleen op het gebied van beeldende kunst is de invloed van Warhol van groot belang. In 2014 werkte Diane von Furstenberg samen met de Andy Warhol Foundation for the Visual Arts om een ​​capsulecollectie te creëren ter ere van 40 jaar van haar iconische wikkeljurken met prints van Warhols werken, zoals de 'Flower'-serie, waarmee hij in 1964 begon. in 2013 gebruikte Prada dezelfde serie voor motieven in de lente- / zomercollectie. Hier is een blik op de bijdragen van Warhol aan popart en waarom hij tot op de dag van vandaag relevant en populair blijft.

Triple Elvis (Ferus Type), 1963

Triple Elvis (Ferus Type), 1963


De geboorte van popart

Popart is een internationale kunstbeweging die eind jaren vijftig en begin jaren zestig begon. De term is bedacht door de Engelse kunstcriticus Lawrence Alloway in 1958 om te verwijzen naar populaire kunstvormen, zoals reclame en film. In Groot-Brittannië raakten kunstenaars zoals Peter Blake en Richard Hamilton geassocieerd met popart als kunstbeweging. Het beroemde werk van Hamilton, ‘Wat maakt de huizen van vandaag zo anders en zo aantrekkelijk?’ (1956) bevatte een zitkamer met uitsparingen uit verschillende tijdschriften en foto's.

Het was echter in Amerika dat popart zoals we die nu kennen in de vroege jaren zestig explodeerde, waarbij Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist en Tom Wesselmann snel hun popartiestidentiteit vestigden door kunstwerken die alledaagse voorwerpen opnieuw toe-eigenden tot werken van kunst.


Naast het gebruik van consumentenproducten als onderwerp, namen popartiesten ook de stijl aan die werd gebruikt in hun productie of marketing. Lichtenstein gebruikte bijvoorbeeld Benday-stippen - gekleurde stippen die gelijkmatig in een bepaald gebied waren geplaatst, vaak gebruikt in advertenties voor kranten en tijdschriften - voor zijn opgeblazen kaders van strips.

Voor Warhol herhaalde zijn herhaalde zeefdruk van afbeeldingen het proces van de massaproductie van consumentenproducten. De kunstenaar grapte in een interview: "De reden dat ik op deze manier schilder, is dat ik een machine wil zijn, en ik heb het gevoel dat alles wat ik doe en doe als een machine, is wat ik wil doen."

Warhols werk als commercieel kunstenaar maakte de weg vrij voor zijn pop-artstijl, die de gepolijste esthetiek droeg van advertentiecampagnes waaraan hij gewend was te werken. Na zijn afstuderen aan het Carnegie Institute of Technology, verhuisde Warhol in 1949 van Pittsburgh, Pennsylvania, waar hij werd geboren en getogen, naar New York. Hij had een succesvolle carrière als commercieel kunstenaar in de jaren vijftig en maakte mode-illustraties voor Harper's Bazaar en andere tijdschriften en etalages in warenhuizen zoals Bonwit Teller.


Marlon, 1966

Marlon, 1966

Warhol had inderdaad de vinger aan de pols van wat de massa aansprak, en democratiseerde beeldende kunst met zijn gemakkelijk te begrijpen werken. Warhol heeft ooit beweerd dat de kijkers naar pop-art gingen omdat 'het lijkt op iets dat ze elke dag weten en zien'. Vanwege de toegankelijkheid sprak popart een breed publiek aan dat traditioneel niet geïnteresseerd was in kunst, en kreeg het al in 1962 aandacht in massamedia-tijdschriften als Time and Life.

Iconische werken

Het meest herkenbare werk van Warhol zijn de ‘Campbell’s Soup Cans’ (1962), met 32 ​​doeken met handgeschilderde uitvoeringen van de 32 verschillende soepvariëteiten die Campbell’s Soup Company destijds aanbood. Deze werden voor het eerst getoond in Ferus Gallery in Los Angeles in 1962 door de galeriehouder op een richel alsof ze op een plank stonden om te kopen.

De veelheid van een afbeelding in het werk van Warhol bracht de aandacht naar de alomtegenwoordigheid van het gekozen object. ‘100 Cans’ (1962) is een ander vroeg werk met Campbell's soepblikken. Het is met de hand beschilderd met behulp van sjablonen. ‘200 One Dollar Bills’ (1962) uit de ‘Dollar Bill’ -serie, met een raster van 20 bij 10 dollarbiljetten, is gemaakt op basis van hetzelfde idee en volgens dezelfde methode.

Een ander huishoudelijk item dat een iconische status in handen van Warhol bereikte, was de ‘Brillo Box’, naast andere kartonnen goederen, die Warhol reproduceerde als houten sculpturen, waarbij ze hun verpakking op multiplexblokken zeefdrukten. Deze werden in 1964 tentoongesteld in Stable Gallery.

De serie 'Death and Disaster' is een minder onschadelijke reeks werken, waaronder werken als 'Orange Car Crash Fourteen Times' (1963). Warhol foto-gezeefdrukte beelden van tragedie uit kranten herhaaldelijk over een canvas. Dit gebeurde door de overdracht van beelden fotografisch naar de schermen, een commerciële printtechniek die hij vanaf eind 1962 gebruikte. Het resultaat was scherpere beelden dan de handgeschilderde die hij eerder had gemaakt.

De serie werd voor het eerst tentoongesteld in de galerie van Ileana Sonnabend in Parijs en was de inaugurele Europese solo-show van de kunstenaar. Overigens is Warhols duurste werk dat tot nu toe op een veiling is verkocht, afkomstig uit de serie, waarbij ‘Silver Car Crash (Double Disaster)’ (1963) in november 2013 bij Sotheby’s een hamerprijs van $ 94 miljoen opleverde.

Warhol gebruikte ook afbeeldingen van beroemdheden in zijn werk, zoals Marilyn Monroe in ‘The Marilyn Diptych’ (1962) en ‘Gold Marilyn Monroe’ (1962). De blijvende aantrekkingskracht van de werken van de popartiest is te zien in de prijzen die ze op recente veilingen hebben opgehaald. Christie's New York bood in november 2014 'Triple Elvis [Ferus Type]' (1963) aan met een levensgrote Elvis Presley in drievoud en 'Four Marlons' (1966), een reproductie van een still uit de cultfilm uit 1953 Wild One 'met Marlon Brando. De twee stuks brachten respectievelijk 73 miljoen dollar en 62 miljoen dollar op.

Bij het maken van zijn kunstwerken met kant-en-klare afbeeldingen en een transportbandsysteem voor het afdrukken en aanbrengen van kleur, was er controverse over het auteurschap van zijn werken, waarbij hun mechanische productie werd overgelaten aan de handen van zijn assistenten in zijn atelier, toepasselijk genaamd The Factory. Dit was een voorafschaduwing van de praktijk die veel hedendaagse kunstenaars hanteren om kunstenaarassistenten in dienst te nemen om hun kunstwerken te maken op basis van de ideeën die ze bedenken.

Het fotograferen en filmen van het leven

In een andere vooruitstrevende beweging documenteerde Warhol zijn dagelijkse leven nauwgezet op een geluidsbandrecorder en een camera, lang voor de komst van sociale media zoals Instagram en de oprichting van sociale influencers. Warhol had uitgelegd: 'Een foto betekent dat ik elke minuut weet waar ik was. Daarom maak ik foto's. Het is een visueel dagboek. "

Onder de foto's die hij maakte met zijn Polaroid-camera, die hij vanaf eind jaren vijftig bij zich droeg, waren honderden, misschien zelfs duizenden foto's van alles, van de details van zijn dagelijkse leven in de fabriek tot de tijd die hij doorbracht in plaatsen zoals Studio 54 in de jaren 70. Het is geen verrassing dat hij ooit zei: "Mijn idee van een goede foto is er een die scherp in beeld is en van een beroemd persoon". Veel van de polaroids waren headshots van beroemdheden die in muziek, mode en film werkten, en omvatten mensen zoals zanger Dolly Parton, mode-editor Diana Vreeland en acteur Jack Nicholson.

Campbell's soepblikken, 1962

Campbell's soepblikken, 1962

Warhols werken waren niet alleen iconisch, hij was zelf ook een icoon geworden. In plaats van bijvoorbeeld een Warhol-kunstwerk op de cover van ArtForum van december 1964 te plaatsen, waarop de kunstenaar te zien was, werd er een foto van hem genomen door acteur Dennis Hopper met een mozaïekpatroon op de cover, als bewijs van zijn beroemdheid en zijn kenmerkende pop kunststijl tegelijk.

Terwijl Warhol doorging met het maken van werken in zijn direct herkenbare stijl, zoals de schilderachtige gezeefdrukte 'Mao'-serie in speelse kleurencombinaties in de vroege jaren zeventig, begon hij vanaf 1963 het filmwereldje binnen te gaan. Hij produceerde films zoals' Sleep '(1963), met beelden van een vriend die meer dan vijf uur slaapt, en de eveneens statische acht uur durende zwart-witfilm' Empire '(1964) die het Empire State Building van licht naar donker laat zien.

Het was met ‘The Chelsea Girls’ (1966) dat Warhol commercieel succes genoot voor zijn filmwerk. Verschillende beelden werden tegelijkertijd op twee schermen vertoond met gesprekken en monologen met zijn muzen, of mensen die hij interessant vond. Ze heetten Warhol-supersterren en hingen rond in The Factory. Uitgaande van de overtuiging dat "iedereen een kwartier wereldberoemd zal zijn", rekruteerde hij hen om deel te nemen aan zijn werken, zoals in deze film, met onder meer singer-songwriter Nico en model en actrice International Velvet.

Gold Marilyn Monroe, 1962

Gold Marilyn Monroe, 1962

Een erfenis achterlaten

Warhol was revolutionair in het bedenken van nieuwe ideeën om zijn leven als kunst vast te leggen. Van illustreren tot schilderen tot zeefdrukken tot filmmaken, hij probeerde bij elke draai innovatieve manieren te proberen om de schoonheid en vreemdheid van het leven in gelijke delen vast te leggen. Zijn kring van vrienden van beroemdheden verloochende een introverte aard die hem een ​​scherp gevoel van observatie van het leven gaf, wat tot uiting komt in zijn visueel indrukwekkende werken die tot op de dag van vandaag gewild zijn.

Tijdens Singapore Art Week 2016 is de tentoonstelling 'Andy Warhol: Social Circus' te zien in Gillman Barracks, mogelijk gemaakt door The Ryan Foundation, opgezet door natuurliefhebber en kunstverzamelaar Ryan Su in december 2012 ter bevordering van natuurbehoud en kunsteducatie , waaronder de organisatie van kunsttentoonstellingen voor het publiek.

De tentoonstelling toont de grootste collectie polaroids die ooit in Azië is vertoond. Zo'n 30 polaroids, afkomstig uit de collectie van Ryan en een andere privécollectie in het buitenland, zullen de who's who van de New Yorkse beroemdheidsscene van de jaren zestig tot de jaren tachtig benadrukken, waaronder Warhol zelf, maar ook Bianca Jagger, Paul Anka en Keith Haring .

Curator Khim Ong, die nauw met Ryan heeft samengewerkt om de show samen te stellen, ziet de mogelijkheid om particuliere verzamelaars aan te moedigen hun collecties op dezelfde manier met het publiek te delen. Sprekend over de waarde van de polaroids die te zien zijn, merkt ze op dat ze, omdat ze niet uitdrukkelijk als kunstwerken zijn gemaakt, maar mogelijk als archief- of bronmateriaal, waardevol inzicht kunnen geven in de praktijk van de kunstenaar, die in belangrijke mate ging over het maken zijn leven zijn kunst.

Art Republik spreekt met Ryan Su over zijn collectie Warhol-polaroids als onderdeel van zijn bredere verzamelbelangen, zijn werk bij de stichting en wat hij hoopt te bereiken met de tentoonstelling.

Race Riot, 1964

Race Riot, 1964

Hoe kwam je op de titel ‘Andy Warhol: Social Circus’?

Warhol werd overspoeld met beelden van de popcultuur in zijn vroege, vormende jaren.Hij hield van tijdschriften, was getuige van de introductie van televisie, de high street shopping-boom en verzamelde foto's van sterren. Deze beeldcultuur was gericht op consumentisme. Hij kwam echter uit een arm gezin uit Pittsburgh en kon er niet aan deelnemen. Als buitenstaander was hij een toeschouwer die naar binnen tuurde. Later in zijn leven en de cirkel rond, omsingelden beroemdheden, artiesten en modeontwerpers hem terwijl zijn roem als popart-artiest steeg. In The Factory en Studio 54 breidde zijn sociale kring zich elke nacht uit - met socialites, sterren op het witte doek en inwoners van de onderwereld van New York en tegencultuur, zoals dragqueens en drugsverslaafden. Maar met hun scheldwoorden, LSD, alcohol, losbandigheid en kunst maken, werd het al snel een ‘sociaal circus’.

Wanneer ben je geïnteresseerd geraakt in kunst?

Lange tijd vond ik het soort kunst waarin ik geïnteresseerd was om intimiderend op te hangen tegen witte muren bewaakt door koude galeristen. Ik weet zeker dat veel mensen die geïnteresseerd zijn in het zien van kunst hetzelfde gevoel zouden hebben. Mijn bedenkingen zijn tot op zekere hoogte waar gebleken. Desalniettemin heb ik enkele van de meest warme, vriendelijke, genereuze en fascinerende mensen in de kunstwereld ontmoet. Een deel van wat ik mezelf zie doen bij The Ryan Foundation is het doorbreken van grenzen tussen de kunstwereld en het 'publiek'. Zo'n show doen zou precies dat doen!

Wanneer ben je begonnen met verzamelen? Heeft uw collectie een specifiek thema of focus?

Mijn kunstcollectie is per ongeluk begonnen in Londen, waar ik kunstrecht ging studeren. Ik laat me inspireren door de natuur en verzamel veel werken die de natuur weergeven, zelfs in abstracte vorm - maar soms wijk ik af. Ik verzamel werken van slechts een klein aantal kunstenaars. Ik vind het leuk om mijn eigen onderzoek te doen en diep in hun oeuvres te graven en van daaruit een zinvolle verzameling op te bouwen. Ik vind het ook leuk om delen van hun oeuvres te verkennen die weinig aandacht hebben gekregen of zijn vergeten. Het is dit streven dat me op de been houdt.

Hoe ben je in het bezit gekomen van je eerste Andy Warhol's polaroids?

Warhol's polaroids zijn overtuigend. De sociale relevantie van het Warhols zelfportret Polaroid is moeilijk te missen in deze wereld van selfies - waar narcisme, zelfverering, perfectie en zelfbeeld doordringen.

Ik kocht mijn eerste Polaroid toen ik in het VK studeerde. Maar al snel daarna probeerde ik ze kwijt te raken en ze te verkopen omdat ik ze niet goed kon bewaren. In die tijd had ik geen echte kunstopslagplaats en ik wist dat als ik ze terug zou nemen naar Singapore, ze vernietigd zouden worden omdat het tropische klimaat niet het meest ideale was. Enkele jaren later betreur ik mijn besluit om ze kwijt te raken ten zeerste omdat ik er een aantal fantastische had. Nu ik de opslag goed heb, heb ik de collectie weer opgebouwd. Beter nog, ze hebben nu een publiek!

Een portret van kunstverzamelaar Ryan Su

Een portret van kunstverzamelaar Ryan Su

Wat maakt Andy Warhol volgens jou zo'n belangrijk figuur in de hedendaagse kunst en cultuur?

Ik denk dat het meer relevante en belangrijke argument waarom Warhol zo'n belangrijke figuur is, is dat hij een visionair is. Warhol had een geweldige vooruitziende blik. Hij hield zich bezig met dingen en stijlen die uiteindelijk trends zouden worden. Wie wist dat camouflageprints de modewereld stormenderhand zouden veroveren, selfies de rage zouden zijn of dat mensen beroemd zouden worden omdat ze beroemd waren?

Wat is het favoriete werk van Andy Warhol?

Een van mijn favorieten in deze tentoonstelling zijn de Bianca Jagger Polaroids. Ze zijn zeldzaam in de zin dat ze een drieluik vormen. Het mooie van de Polaroid is dat de enige manier om ze te 'reproduceren' was om meerdere foto's te maken - en elke Polaroid is uniek en speciaal, omdat ze in een paar seconden uit elkaar is genomen. Ze laten de toeschouwer zien wat Warhol zelf door de verschillende frames heen ziet terwijl zijn beroemdheid als onderwerp poseert, bijna als een animatie. De beelden met hoog contrast die door de Polaroid-camera zijn gemaakt, hebben onvolkomenheden en onvolkomenheden weggelaten, wat Warhol's streven naar perfectie en glamour bevordert. De Bianca Jagger Polaroids vatten zijn kenmerkende stijl en techniek samen. Ze is op haar gemak - haar haar, gezicht en hals zijn absoluut schitterend.

Hoe heeft deze tentoonstelling vorm gekregen?

Ik had het idee om een ​​privédiner te organiseren om mee te doen aan een privéshow met de Warhol-polaroids tijdens de Singapore Art Week 2016 voor mijn speciale gasten die zouden binnenvliegen voor de kunstbeurs en verschillende evenementen. Ik besloot later om er een openbare show van te maken. Het zou geweldig zijn om met iedereen te delen die deze polaroids decennia geleden zijn gemaakt en voor mensen om een ​​connectie te maken met selfies vandaag.

Verhaalcredits

Tekst door Nadya Wang

Dit artikel is oorspronkelijk gepubliceerd in Art Republik

Alle polaroids zijn eigendom van Ryan Foundation. Alle andere illustraties zijn afkomstig van de Andy Warhol Foundation


What is Pop Art? Art Movements & Styles (Maart 2024).


Verwante Artikelen